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Le geste mineur / Erin Manning

Public ISBD Titre : Le geste mineur Type de document : texte imprimé Auteurs : Erin Manning, Auteur Editeur : Dijon : Les Presses du réel Année de publication : 2019 Importance : 1 vol. (405 p.) Présentation : ill., couv. ill. en coul. Format : 21 cm ISBN/ISSN/EAN : 978-2-37896-032-2 Note générale : Titre original : The Minor Gesture, Duke University Press, 2016 Langues : Français Catégories : Art -- Philosophie Chorégraphie Gestes Langage Mouvement Philosophie et art Résumé : Dans ce livre vaste et pointu, Erin Manning élargit ses recherches concernant la politique du mouvement au concept de geste mineur. Bien que pouvant passer presque inaperçu, le geste mineur transforme le champ des relations. Plus qu'une variation hasardeuse, moins qu'une volition, il implique de repenser nos présupposés communs à propos de l'agentivité humaine et de l'action politique. Accueillir la puissance du geste mineur à modeler les relations, accueillir sa capacité à ouvrir de nouveaux modes d'expérience et de nouvelles modalités d'expression, c'est défier la dévaluation que l'image neurotypique de l'humain inflige aux modes d'être alternatifs, qui sont mus par le monde et qui s'y meuvent – notamment ce qu'Erin Manning appelle « la perception autistique ». En s'appuyant sur la schizo-analyse de Deleuze et Guattari et sur le pragmatisme spéculatif de Whitehead, les analyses profondes de Manning embrassent aussi bien la mode que la dépression, en passant par les écritures d'autistes, affirmant à chaque fois la neurodiversité du mineur et la politique alternative vers laquelle il tend. Le geste mineur [texte imprimé] / Erin Manning, Auteur . - Dijon : Les Presses du réel, 2019 . - 1 vol. (405 p.) : ill., couv. ill. en coul. ; 21 cm. ISBN : 978-2-37896-032-2 Titre original : The Minor Gesture, Duke University Press, 2016 Langues : Français Catégories : Art -- Philosophie Chorégraphie Gestes Langage Mouvement Philosophie et art Résumé : Dans ce livre vaste et pointu, Erin Manning élargit ses recherches concernant la politique du mouvement au concept de geste mineur. Bien que pouvant passer presque inaperçu, le geste mineur transforme le champ des relations. Plus qu'une variation hasardeuse, moins qu'une volition, il implique de repenser nos présupposés communs à propos de l'agentivité humaine et de l'action politique. Accueillir la puissance du geste mineur à modeler les relations, accueillir sa capacité à ouvrir de nouveaux modes d'expérience et de nouvelles modalités d'expression, c'est défier la dévaluation que l'image neurotypique de l'humain inflige aux modes d'être alternatifs, qui sont mus par le monde et qui s'y meuvent – notamment ce qu'Erin Manning appelle « la perception autistique ». En s'appuyant sur la schizo-analyse de Deleuze et Guattari et sur le pragmatisme spéculatif de Whitehead, les analyses profondes de Manning embrassent aussi bien la mode que la dépression, en passant par les écritures d'autistes, affirmant à chaque fois la neurodiversité du mineur et la politique alternative vers laquelle il tend.

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018467	301.2 MAN	Livre	Médiathèque	Fonds général	Disponible

La spatialisation du dessin dans l'art américain des années 1960 et 1970 / Laurence Schmidlin

Public ISBD Titre : La spatialisation du dessin dans l'art américain des années 1960 et 1970 Type de document : texte imprimé Auteurs : Laurence Schmidlin (1982-....), Auteur Editeur : Dijon : Les Presses du réel Année de publication : 2019 Importance : 1 vol. (491 p.) Présentation : illustrations Format : 24 cm ISBN/ISSN/EAN : 978-2-37896-092-6 Langues : Français Catégories : Dessin États-Unis Résumé : À la fin des années 1960, le dessin fit l'objet d'un développement singulier qui s'observa en particulier aux États-Unis. Les artistes américains diversifièrent considérablement ses formes en l'adaptant à l'échelle architecturale jusqu'à le matérialiser dans le volume, sous une forme plastique. Ils ajustèrent ses dimensions et parfois ses techniques, l'exécutant sur des supports tels que le mur, le sol ou la surface terrestre, et ils portèrent leur attention sur sa dimension processuelle. Cette expansion spatiale, dite spatialisation, fut le fruit de différents facteurs, dont le rejet du pictocentrisme moderniste, le nivellement de la hiérarchie entre les médiums et l'avènement de nouvelles valeurs comme le primat du concept. Ce livre est consacré à ce phénomène du dessin qui, quittant le support du papier, accéda à la troisième dimension. Il pose son extension physique comme la conséquence de son intermédialité en particulier avec la performance et la sculpture, dans un cadre où les arts visuels étaient appelés de manière générale à se déployer dans l'espace. Au moyen d'un plan tripartite – discours, pratique artistiques et approches institutionnelles – et à l'appui de nombreuses sources primaires, cette enquête minutieuse vise à inscrire le dessin au cœur même des débats qui animèrent la scène américaine, à montrer la place centrale qu'il occupa en tant que ressource – technique, expressive, esthétique, conceptuelle – dans les pratiques artistiques des années 1960 et 1970, et à établir le contexte qui rendit possible sa transformation. La spatialisation du dessin dans l'art américain des années 1960 et 1970 [texte imprimé] / Laurence Schmidlin (1982-....), Auteur . - Dijon : Les Presses du réel, 2019 . - 1 vol. (491 p.) : illustrations ; 24 cm. ISBN : 978-2-37896-092-6 Langues : Français Catégories : Dessin États-Unis Résumé : À la fin des années 1960, le dessin fit l'objet d'un développement singulier qui s'observa en particulier aux États-Unis. Les artistes américains diversifièrent considérablement ses formes en l'adaptant à l'échelle architecturale jusqu'à le matérialiser dans le volume, sous une forme plastique. Ils ajustèrent ses dimensions et parfois ses techniques, l'exécutant sur des supports tels que le mur, le sol ou la surface terrestre, et ils portèrent leur attention sur sa dimension processuelle. Cette expansion spatiale, dite spatialisation, fut le fruit de différents facteurs, dont le rejet du pictocentrisme moderniste, le nivellement de la hiérarchie entre les médiums et l'avènement de nouvelles valeurs comme le primat du concept. Ce livre est consacré à ce phénomène du dessin qui, quittant le support du papier, accéda à la troisième dimension. Il pose son extension physique comme la conséquence de son intermédialité en particulier avec la performance et la sculpture, dans un cadre où les arts visuels étaient appelés de manière générale à se déployer dans l'espace. Au moyen d'un plan tripartite – discours, pratique artistiques et approches institutionnelles – et à l'appui de nombreuses sources primaires, cette enquête minutieuse vise à inscrire le dessin au cœur même des débats qui animèrent la scène américaine, à montrer la place centrale qu'il occupa en tant que ressource – technique, expressive, esthétique, conceptuelle – dans les pratiques artistiques des années 1960 et 1970, et à établir le contexte qui rendit possible sa transformation.

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018731	741.09 SCH	Livre	Médiathèque	Fonds général	Sorti jusqu'au 28/06/2021

La destruction de l'art / Dario Gamboni

Public ISBD Titre : La destruction de l'art : iconoclasme et vandalisme depuis la Révolution française Type de document : texte imprimé Auteurs : Dario Gamboni, Auteur ; Estelle Beauseigneur (1970-....), Traducteur Editeur : Dijon : Les Presses du réel Année de publication : DL 2015 Collection : Histoire de l'art Importance : 1 vol. (544 p.) Présentation : ill. Format : 26 cm ISBN/ISSN/EAN : 978-2-84066-493-2 Prix : 38 EUR Note générale : Bibliogr. p. 485-505. Index Langues : Français Langues originales : Anglais Catégories : Art -- 20e siècle Destruction (art) Iconoclasme Résumé : Cette étude examine l'iconoclasme et le vandalisme dans l'époque contemporaine à travers l'analyse de divers cas d'attaques portées sur des œuvres d'art ou des biens culturels. En s'attachant aux explications et justifications de ces actes, l'auteur éclaire les évolutions apportées par la condamnation politique et morale du vandalisme. Publié en 1997, l'ouvrage est enrichi d'une préface inédite. © Electre 2020 La destruction de l'art : iconoclasme et vandalisme depuis la Révolution française [texte imprimé] / Dario Gamboni, Auteur ; Estelle Beauseigneur (1970-....), Traducteur . - Dijon : Les Presses du réel, DL 2015 . - 1 vol. (544 p.) : ill. ; 26 cm. - (Histoire de l'art) . ISBN : 978-2-84066-493-2 : 38 EUR Bibliogr. p. 485-505. Index Langues : Français Langues originales : Anglais Catégories : Art -- 20e siècle Destruction (art) Iconoclasme Résumé : Cette étude examine l'iconoclasme et le vandalisme dans l'époque contemporaine à travers l'analyse de divers cas d'attaques portées sur des œuvres d'art ou des biens culturels. En s'attachant aux explications et justifications de ces actes, l'auteur éclaire les évolutions apportées par la condamnation politique et morale du vandalisme. Publié en 1997, l'ouvrage est enrichi d'une préface inédite. © Electre 2020

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018637	701 GAM	Livre	Médiathèque	Fonds général	Disponible

Richard Hamilton / Brigitte Aubry

Public ISBD Titre : Richard Hamilton : peintres des apparences contemporaines, 1950-2007 Type de document : texte imprimé Auteurs : Brigitte Aubry (1973-....), Auteur Editeur : Dijon : Les Presses du réel Année de publication : impr. 2009 Importance : 1 vol. (633 p.) Présentation : ill. en noir et en coul. Format : 20 cm ISBN/ISSN/EAN : 978-2-84066-212-9 Prix : 34 EUR Note générale : Bibliogr. de Richard Hamilton p. 575-578. Bibliogr. p. 579-597. Index Langues : Français Catégories : Art -- 20e siècle Art -- Histoire Collage (art) Hamilton, Richard (1922-2011) Peinture Résumé : "Intégrée dans l'histoire de l'art avec le Pop Art, célébrée un peu partout en Europe (la France mise à part) et aux États-Unis, l'œuvre de l'Anglais Richard Hamilton n'a pas fait l'objet d'une monographie qui embrasse l'ensemble de sa carrière – de 1950 à aujourd'hui. Diversité, absence apparente d'un « style », constant renouvellement, rendent ardue, il est vrai, son appréhension globale. La capacité de l'artiste et de son œuvre à considérer des univers variés signale aussi une méthode qui tranche avec celle qu'ont adoptée nombre de ses contemporains. Avoir choisi de suivre l'ordre de la compréhension constitue donc l'originalité épistémologique de cette étude qui débute dans les années 1980 et se développe à partir de ce que Hamilton est devenu. Opérant au plus près de peintures dont la « structure » est précisément analysée, et les circonstances tant historiques qu'artistiques examinées, l'ouvrage donne un éclairage inédit sur plus d'un demi-siècle de travail : il révèle comment, dans une relation dialogique avec les mass médias, un artiste a construit une œuvre réflexive dont la richesse plastique n'a d'égale que la complexité sémantique." [4e de couv.] Richard Hamilton : peintres des apparences contemporaines, 1950-2007 [texte imprimé] / Brigitte Aubry (1973-....), Auteur . - Dijon : Les Presses du réel, impr. 2009 . - 1 vol. (633 p.) : ill. en noir et en coul. ; 20 cm. ISBN : 978-2-84066-212-9 : 34 EUR Bibliogr. de Richard Hamilton p. 575-578. Bibliogr. p. 579-597. Index Langues : Français Catégories : Art -- 20e siècle Art -- Histoire Collage (art) Hamilton, Richard (1922-2011) Peinture Résumé : "Intégrée dans l'histoire de l'art avec le Pop Art, célébrée un peu partout en Europe (la France mise à part) et aux États-Unis, l'œuvre de l'Anglais Richard Hamilton n'a pas fait l'objet d'une monographie qui embrasse l'ensemble de sa carrière – de 1950 à aujourd'hui. Diversité, absence apparente d'un « style », constant renouvellement, rendent ardue, il est vrai, son appréhension globale. La capacité de l'artiste et de son œuvre à considérer des univers variés signale aussi une méthode qui tranche avec celle qu'ont adoptée nombre de ses contemporains. Avoir choisi de suivre l'ordre de la compréhension constitue donc l'originalité épistémologique de cette étude qui débute dans les années 1980 et se développe à partir de ce que Hamilton est devenu. Opérant au plus près de peintures dont la « structure » est précisément analysée, et les circonstances tant historiques qu'artistiques examinées, l'ouvrage donne un éclairage inédit sur plus d'un demi-siècle de travail : il révèle comment, dans une relation dialogique avec les mass médias, un artiste a construit une œuvre réflexive dont la richesse plastique n'a d'égale que la complexité sémantique." [4e de couv.]

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018641	709.2 HAM	Livre	Médiathèque	Fonds général	Disponible

L'art et ses agents / Alfred Gell

Public ISBD Titre : L'art et ses agents : une théorie anthropologique Type de document : texte imprimé Auteurs : Alfred Gell (1945-1997), Auteur ; Sophie Renaut, Traducteur ; Olivier Renaut (1978-....), Traducteur Editeur : Dijon : Les Presses du réel Année de publication : DL 2009 Collection : Fabula Importance : 1 vol. (327 p.) Présentation : ill., graph., couv. ill. Format : 23 cm ISBN/ISSN/EAN : 978-2-84066-252-5 Note générale : Bibliogr. p. 309-316. Index Langues : Français Langues originales : Anglais Catégories : Art -- Aspect social Art et anthropologie Sémiotique et art Résumé : L'art et ses agents, ouvrage posthume paru en 1998 sous le titre Art and agency, est sans doute l'une des anthropologies de l'art les plus singulières et les plus fécondes. Plutôt que de penser l'œuvre d'art en terme de beauté, Alfred Gell propose de la situer à l'intérieur d'un réseau de relations entre agents et patients qui manifestent une certaine agentivité (agency) par l'intermédiaire de l'œuvre. Cette théorie a une vocation universelle : il s'agit moins de relativiser le système occidental de l'esthétique que de se rendre sensible aux mécanismes de l'intentionnalité, des ignames décorés de Nouvelle-Guinée aux ready-made de Duchamp. Pour universelle qu'elle soit, cette théorie demeure bien anthropologique : envisager l'œuvre d'art implique que l'on s'intéresse aux contextes de sa production et de sa circulation. C'est pourquoi Alfred Gell entend produire pour l'art ce que Marcel Mauss ou Claude Lévi-Strauss ont théorisé pour les systèmes de l'échange ou de la parenté. Empruntant à la linguistique d'Umberto Eco et à la sémiotique de C. S. Peirce (sans se plier à leurs principes interprétatifs), les termes qui entrent en jeu dans une combinatoire propre à l'objet d'art sont l'indice (l'objet lui-même), l'artiste, le destinataire et le prototype – le « réseau de l'art » désignant l'ensemble des relations qui font qu'un objet d'art est reconnu comme tel par les différents acteurs sociaux. Les attitudes que nous avons face à ces objets doivent être comprises en les rapprochant des systèmes de causalité propres à la sorcellerie : nous inférons à travers l'objet d'art la présence d'une personne disséminée. Cette théorie déplace doublement les termes de l'esthétique occidentale (dont le concept de style) car il s'agit non seulement d'abolir les frontières théoriques entre l'art « ethnographique » des musées et celui, bien vivant, qui est produit et circule dans les sociétés, mais aussi de trouver la trame cognitive commune à La Joconde et aux proues de navires mélanésiens. L'objet d'art, dans toute culture, a un certain pouvoir de fascination, qu'on ne peut comprendre qu'en saisissant l'ensemble des interactions sociales qui président à son émergence. [4e de couv.] L'art et ses agents : une théorie anthropologique [texte imprimé] / Alfred Gell (1945-1997), Auteur ; Sophie Renaut, Traducteur ; Olivier Renaut (1978-....), Traducteur . - Dijon : Les Presses du réel, DL 2009 . - 1 vol. (327 p.) : ill., graph., couv. ill. ; 23 cm. - (Fabula) . ISBN : 978-2-84066-252-5 Bibliogr. p. 309-316. Index Langues : Français Langues originales : Anglais Catégories : Art -- Aspect social Art et anthropologie Sémiotique et art Résumé : L'art et ses agents, ouvrage posthume paru en 1998 sous le titre Art and agency, est sans doute l'une des anthropologies de l'art les plus singulières et les plus fécondes. Plutôt que de penser l'œuvre d'art en terme de beauté, Alfred Gell propose de la situer à l'intérieur d'un réseau de relations entre agents et patients qui manifestent une certaine agentivité (agency) par l'intermédiaire de l'œuvre. Cette théorie a une vocation universelle : il s'agit moins de relativiser le système occidental de l'esthétique que de se rendre sensible aux mécanismes de l'intentionnalité, des ignames décorés de Nouvelle-Guinée aux ready-made de Duchamp. Pour universelle qu'elle soit, cette théorie demeure bien anthropologique : envisager l'œuvre d'art implique que l'on s'intéresse aux contextes de sa production et de sa circulation. C'est pourquoi Alfred Gell entend produire pour l'art ce que Marcel Mauss ou Claude Lévi-Strauss ont théorisé pour les systèmes de l'échange ou de la parenté. Empruntant à la linguistique d'Umberto Eco et à la sémiotique de C. S. Peirce (sans se plier à leurs principes interprétatifs), les termes qui entrent en jeu dans une combinatoire propre à l'objet d'art sont l'indice (l'objet lui-même), l'artiste, le destinataire et le prototype – le « réseau de l'art » désignant l'ensemble des relations qui font qu'un objet d'art est reconnu comme tel par les différents acteurs sociaux. Les attitudes que nous avons face à ces objets doivent être comprises en les rapprochant des systèmes de causalité propres à la sorcellerie : nous inférons à travers l'objet d'art la présence d'une personne disséminée. Cette théorie déplace doublement les termes de l'esthétique occidentale (dont le concept de style) car il s'agit non seulement d'abolir les frontières théoriques entre l'art « ethnographique » des musées et celui, bien vivant, qui est produit et circule dans les sociétés, mais aussi de trouver la trame cognitive commune à La Joconde et aux proues de navires mélanésiens. L'objet d'art, dans toute culture, a un certain pouvoir de fascination, qu'on ne peut comprendre qu'en saisissant l'ensemble des interactions sociales qui président à son émergence. [4e de couv.]

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019057	701 GEL	Livre	Médiathèque	Fonds général	Disponible

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